Un soleado café parisino dentro de un edificio del siglo XIX

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Además: joyas inspiradas en el café, una exhibición de cerámica natural y más recomendaciones de T Magazine.

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Por Zoey Encuesta

Esta primavera, el recientemente renovado Museo Bourdelle en el distrito Montparnasse de París inauguró un nuevo y luminoso café-restaurante, Le Rhodia, que lleva el nombre de la hija del escultor francés Antoine Bourdelle. El sobrio comedor de color amarillo narciso ocupa el segundo piso de un estudio de artista del siglo XIX donde una vez vivieron Rhodia Bourdelle y su esposo, el diseñador de interiores Art Deco Michel Dufet. "Queríamos que pareciera entrar al departamento de alguien", dice Marc-Antoine Servella, cofundador del estudio de arquitectura parisino SAME, quien supervisó el diseño de la cafetería. Amuebló Le Rhodia con una mezcla de hallazgos de mercadillos de mediados de siglo y piezas personalizadas encargadas a artesanos franceses en materiales que van desde el travertino hasta el roble, al tiempo que conserva algunos detalles originales como una estufa de leña y una gran ventana de óculo (diseñada por Dufet en el espíritu de la decoración de la cabina del transatlántico por la que era más conocido). Los visitantes del museo también pueden cenar al aire libre en la terraza del entrepiso junto a una columnata de bustos de bronce vigilantes. El menú ofrece platos refrescantes, con referencias culinarias a la ciudad natal de Bourdelle en el suroeste de Francia y una influencia latinoamericana: un homenaje, dice el chef francés Jean-René Chassignol, a las docenas de estudiantes de Perú, Chile y Argentina que fueron aprendices con Bourdelle. en estos talleres. Los platos, que son más ligeros, incluyen un puré de frijoles negros con remolacha encurtida y nueces de maíz, y empanadas de vegetales de temporada. Durante todo el día se sirven pasteles, como el brioche Rhodia con crema de azahar o la Madeleine d'Antoine con infusión de miel y tomillo. instagram.com/lerhodia_bourdelle/.

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Por Adriane Quinlan

Cuando el artista Juan Pablo Echeverri murió a la edad de 43 años el año pasado, dejó más de 8.000 autorretratos tomados en fotomatones para pasaportes en todo el mundo. Lo que comenzó como un diario de peinados y piercings se convirtió en un proyecto de arte conceptual a medida que Echeverri evolucionaba como artista. Este verano, una cuadrícula compuesta por unas 400 de esas fotografías se colgará en la Galería James Fuentes de Manhattan; otra ha estado expuesta en Between Bridges, la organización sin fines de lucro en Berlín dirigida por el antiguo empleador de Echeverri, el fotógrafo Wolfgang Tillmans, quien ayudó a curar ambas muestras.

La repentina muerte de Echeverri a causa de la malaria se produjo justo cuando su carrera estaba ganando impulso, con una exposición en León, México, y un trabajo en la colección del ex presidente de su Colombia natal. Pero sería un error ver los retratos como un sombrío recuerdo mori. “No quiero sobrecargar el trabajo”, dice Tillmans, que prefiere verlo como era Echeverri: astuto, cerebral y autocrítico. El título de la serie de pasaportes, “Miss Fotojapón”, une una broma sobre el pasado fracaso de Colombia en ganar el certamen de Miss Universo con el nombre de una cadena de procesamiento de fotografías. La exposición en Nueva York también incluye “Identidad Payasa” (2017), una serie de retratos dobles donde el artista compartió lente con payasos callejeros en la Ciudad de México. Primero, Echeverri les tomaba fotos disfrazado y luego pedía a los payasos que recrearan su apariencia, una forma de encarnar su posición. Tillmans dice que las fotos muestran cuánto empatizaba Echeverri con los payasos: ambos eran artistas, realizaban una actuación visual y usaban máscaras. “¿Deben tomarse en serio? Obviamente, se están riendo de ellos. Es profundo, pero lo interpretó con ligereza”, dice. “Identidad Perdida” se podrá ver del 7 de junio al 29 de julio, jamesfuentes.com.

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Por Michaela Trimble

El grupo hotelero Bunkhouse, con sede en Texas, conocido por sus propiedades íntimas y orientadas a la comunidad como el Hotel Saint Cecilia y el Hotel San José en Austin, se ha expandido últimamente con aperturas en Salado, Texas; Louisville, Kentucky y, más recientemente, Ciudad de México. El Hotel San Fernando se encuentra en Condesa, el barrio conocido por su arquitectura Art Déco y sus extensos parques bordeados de jacarandas. Diecinueve habitaciones ocupan ahora el Edificio San Fernando, un edificio de apartamentos de la década de 1940 cuyos pisos de cerámica en tonos jade y vidrieras se conservaron en una renovación realizada por Bunkhouse y el estudio de arquitectura Reurbano de la Ciudad de México. Arcos de color ciruela bordean un vestíbulo verde salvia, desde donde los huéspedes suben por una escalera de caracol para llegar a las habitaciones. Los muebles se fabricaron principalmente en México, incluidos muebles de madera contrachapada del estudio de diseño La Metropolitana, lámparas rojas con pantallas de vidrio opaco soplado a mano del estudio Oaxifornia de Oaxaca y obras de artistas locales como Pedro Friedeberg y Ricardo Guevara. Los huéspedes pueden disfrutar de comidas en la azotea, con pasteles como conchas de vainilla para el desayuno y platos pequeños que incluyen tostadas y aguachile a partir del mediodía. El Hotel San Fernando abre el 1 de junio; habitaciones desde $ 215, bunkhousehotels.com.

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Por Becky Malinsky

Los diseñadores de Cartier tienen la costumbre de crear joyas preciosas a partir de objetos cotidianos. La colección Juste Un Clou transforma un clavo de construcción en puños y cuellos con incrustaciones de diamantes, mientras que el Cactus de Cartier, un conjunto de cúpulas puntiagudas, imagina la planta del desierto como un anillo de cóctel. La colección Grain de Café continúa esta tendencia, utilizando los granos de café como inspiración para pulseras, pendientes, anillos, collares y broches. Originados por la directora de la casa, Jeanne Toussaint, los dijes con temas de Java aparecieron por primera vez en los diseños de la casa en 1938. El Príncipe Rainiero III le regaló a Grace Kelly un juego de café para su boda de 1956, y su collar, tachonado con pequeños colgantes de frijoles dorados, sirvió como una referencia para los nuevos diseños. Este junio, la compañía presenta seis nuevas piezas a la colección, desde una cadena estilo cuerda con cinco frijoles agrupados hasta un anillo de dos tonos engastado con frijoles colgantes con puntos de diamantes. Todos están diseñados para moverse ligeramente, emitiendo un tintineo energizante. Desde 7.250 dólares, cartier.com.

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Por Katherine McGrath

La ceramista francesa Ludmilla Balkis comenzó a dar forma a vasijas, botellas y cuencos con arcilla como una forma de dejar atrás su vida anterior en la moda; inspirada por el delicado trabajo de la escultora británica Lucie Rie, quería encontrar un ritmo creativo natural y libre. de la directiva producir según un calendario fijo. Balkis se había formado como diseñador de moda y trabajó con Phoebe Philo en Celine en Londres; comenzó a hacer cerámica en 2015. Sus estructuras delgadas como papel, esculpidas a partir de arcilla marrón rojiza que recolecta de la costa francesa y mezcla con arena para lograr una textura más rugosa, desafían la fuerza de la gravedad y amenazan con colapsar. Los elementos que encuentra en largos paseos por la naturaleza en el País Vasco francés, donde tiene un estudio, a menudo se incorporan a las piezas. En su última exposición, “Stasis”, que se podrá ver a partir de la próxima semana en la Roman and Williams's Guild Gallery de Nueva York, una palangana de gres lijada blanca tiene impresas ramitas, mientras que un trío de vasijas con forma de linterna tienen bordes sin rematar salpicados de ceniza de madera seca. "En cierto modo, los movimientos y técnicas [entre la cerámica y la moda] son ​​similares", dice Balkis. “Colocar tela alrededor de un maniquí consiste en tirar y fijar material con alfileres para crear un diseño tridimensional. En cerámica, repito intuitivamente ese proceso: estoy creando alrededor de un espacio vacío, pero trabajo en él como si fuera un cuerpo imaginario”. “Stasis” estará disponible del 9 de junio al 15 de julio en rwguildgalleryny.com.

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Por Mónica Mendal

La diseñadora nupcial Danielle Frankel Hirsch ha diseñado anteriormente colecciones de joyas de perlas para acompañar los tops de seda con cuello halter y los vestidos de tul que crea para su marca, Danielle Frankel. Pero como parte de su misión de cambiar las tradiciones nupciales en nuevas direcciones, Frankel Hirsch eligió un medio menos esperado para sus últimos accesorios. “Comencé con la pregunta 'Si pudiéramos moldear flores [en arcilla], ¿cómo se verían?'”, dice. Comenzó a buscar referencias y encontró imágenes de flores marchitas que originalmente estaban impresas en tarjetas de cigarrillos y habían sido digitalizadas como parte de la Colección George Arents de la Biblioteca Pública de Nueva York. Luego descubrió a un artesano radicado en Ucrania cuya especialidad es crear esculturas florales realistas, utilizando arcilla moldeada sobre un marco de alambre. Frankel Hirsch ahora vende una variedad de flores, incluidos aretes de anémona lavanda y magnolia rosa, y broches de lirios y rosas. Ella espera que las novias aprecien que cada diseño es ligeramente diferente de los demás y, a diferencia de un ramo, se pueden conservar para siempre. Desde $ 1250, daniellefrankelstudio.com.

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